El trabajo de éste diseñador mutidisciplinario es destacado, hasta hace poco tiempo sólo conocía su faceta de diseñador web, ahora enfocó su portafolio a mostrar sus cualidades como ilustrador y yo diría como director de arte. Alberto Cerriteño es parte del grupo de diseñadores mexicanos que ha buscado en el extranjero un espacio para su trabajo. Calidad la tiene.
Adolphe Jean-Marie Mouron nació en la ciudad ucraniana de Kharkov en 1901 y fue enviado a estudiar a Francia, continuando así la tradición paterna.
El estallido de la guerra de 1914 determinó, por de pronto, la permanencia del muchacho en París, y la posterior Revolución Rusa de 1917 el definitivo establecimiento de la familia, huida de su patria, en la que abandonaron bienes y propiedades.
Para contribuir a costearse sus estudios de arte el jovencísimo Mouron entró a trabajar en la industria de artes gráficas Hachard et Compagnie. En un caso similar al del checo Alphons Mucha, tam-bien Cassandre realizaría numerosos trabajos secundarios e impersonales hasta que en 1923 apareció un cartel, «Au Búcheron»16, firmado con el seudó-nimo que había de hacerle universalmente famoso.
Un ano después, a sus veintitrés anos, Cassandre realiza para Hachard una de sus mejores obras, el extraordinario cartel anunciador del popular periódico del sur de Francia L'Intransigeant, en un trabajo que constituye, por sí solo, una contribución definitiva a la escuela francesa del cartel comercial que va a sentar cátedra en el mundo entero, influida por su personalidad, durante más de treinta anos. En este cartel se conjuga ya la extraordinaria habilidad de Cassandre en integrar los lenguajes plásticos de las vanguardias artísticas francesas en un agresivo, ecléctico e inconfundible estilo.
La espontaneidad de ese nuevo cartel francés y la facilidad con que consiguió sintetizar ideas y conceptos en unas imágenes modernas, directas y de extraordinaria capacidad de retención, seducen a los industriales y comerciantes europeos caracterizados por el instinto emprendedor de la década. Grandes companías y oficinas francesas, holandesas, inglesas, italianas y americanas solicitan también los servicios de Cassandre, y en un rutilante período que va de 1924 a 1936 plasma en una serie de inolvidables carteles el deseo formulado determinó, por Mallarmé de «que las imágenes hablen y que las palabras sean imágenes
La secuencia trifásica del mundialmente conoci-do «Dubo... Dubon... Dubonnet», esparcido estratégicamente durante muchos anos por las calles y el «metro» de París (todavía hoy alguna medianera exhibe restos visibles de este cartel); el hechizo en-sonador que rezuma el evocador cartel de L'Etoile du Nord, de puntillas sobre el lejano espejismo de unos raíles de ferrocarril en fuga hacia un horizon-te viajero; la poética fuerza presente en la serie de carteles para companías navieras, entre los que des-tacan la majestad del «Normandie», cuya imponente mole aparece contrapunteada por una delicada ban-dada de diminutas gaviotas; el formidable poder sugestivo de los elementos ferroviarios y navales más comunes: raíles, agujas, chimeneas, semáforos, bielas, ruedas centelleantes, vapor, etc. Todo ello forma parte ya de la historia del cartel publicitario moderno.
Al margen de sus envidiables cualidades técnicas y poéticas, todos estos carteles cumplen a la perfección con los objetivos funcionales que Cassandre, verdadero explorador de la comunicación visual publicitaria, se imponía. Según su propia definición, «un cartel dirigido al apresurado viandante, hostigado por un alud de imágenes de todas clases, ha de provocar sorpresa, violentar la sensibilidad y señalar la memoria con una huella indeleble.
El primer director escénico de la calle», como fue bautizado por su buen amigo el escritor Blaise Cendrars, concentraba en su personalidad los ingredientes básicos para construir con ellos un cartelista publicitario ejemplar. De una parte, una di-mensión imaginativa y unas facultades técnicas muy poco comunes; de otra, unos principios teóricos contundentes respecto de la función que debía exigírsele a un cartel comercial moderno y a la actitud de su autor, en un momento en que la cultura de la forma. estaba dictada por la ideología del Movimiento Moderno.
Ajuicio de Cassandre, el cartel exige la renuncia del artista a afirmar su personalidad. Si lo hace, rompe las reglas del juego. La pintura es un fin en sí misma, mientras que el cartel es sólo un medio, un medio de comunicación entre el anunciante y el público semejante a un telegrama. El cartelista de-sempena el papel del operador de telégrafos. En consecuencia, emite y transmite un mensaje que no .debe contener noticias, información detallada. Unicamente se exige de él que establezca una clara, poderosa, simple y precisa comunicación
El fabuloso éxito acumulado durante la fecunda etapa que hemos senalado le lleva a establecerse dos anos en los Estados Unidos. De forma parecida a otros grandes cartelistas anteriores, su presencia o su obra puesta en América coincide con el que va a ser su ocaso. Unos cuantos carteles, una serie de cubiertas para las revistas Harper's Bazar y Fortune y su colaboración con la multinacional Container Corporation of America, devuelven a Europa un Cassandre completamente alejado de las funciones que le habían convertido en una vedette mundial. Para empezar, abandona el diseño gráfico y se de-dica a la pintura, alternada con otra de sus antiguas aficiones: el diseño de decorados y figurines de teatro. Para la historia del diseño gráfico, el mito del cartelista deja de existir biológicamente treinta anos antes de que expire Mouron.
Es posible que en Cassandre coexista, a lo largo de toda su vida, un sentimiento fatalista que no nos resistimos a señalar, a riesgo de invadir consciente-mente terrenos literarios. No obstante, la licencia que nos concede la repetida advertencia que hemos venido haciendo en el sentido de atribuir en ocasiones a la anécdota valor de categoría, nos invita a desarrollar una personal hipótesis, con el único objeto de esclarecer hasta qué punto el retrato profesional de Cassandre permanece incompleto.
me gusta cassandre por la simplesa que tiene
Herman Yap comenzó su carrera como diseñador gráfico en 1998. Su gran interés en las ilustraciones no se detuvo en el lugar de trabajo, muchas de sus obras han ganado premios y han sido destacadas en los periódicos, publicaciones y revistas. Varias de sus ilustraciones se han presentado en tres libros de ilustración de moda, “Madonna en Arte”, “Imagemakers: Vanguardista Moda Ilustraciones” y “Gran Libro de Moda Ilustración” que fue puesto a la venta en julio de 2007. Un cuarto libro, “Diseño de Moda por ordenador” se estreno en España en enero de 2008.
Herman inyecta una gran cantidad de la fantasía a sus estilizadas figuras. Su imaginación no está limitada a la vida cotidiana, crea vuelos de fantasía que denotan vívidamente su proyecto personal y la convicción de que “el diseño representa la individualidad”. Sus fantásticas ilustraciones digitales son una combinación de foto-montaging y vectores de ideas, aparecen como si fueran tomadas de un sueño.
Alfons Maria Mucha
Nació en la ciudad de Ivancice, Moravia el 24 de julio de 1860. Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
His style evolved radically over the decades; comparing his sharp, edgy commercial work of the 1940s to his middlebrow buffoonery of the 1970s sometimes leaves the impression they were done by two different artists who happened to share the same name (he was always credited as James Flora ). Su estilo evolucionó radicalmente en las últimas décadas, comparando su, nervioso comerciales trabajan fuerte de la década de 1940 a sus bufonadas middlebrow de la década de 1970 deja a veces la impresión de que fueron realizadas por dos artistas diferentes que casualmente comparten el mismo nombre (que siempre fue acreditado como James Flora Silvestres). It seems that the more popular Flora became, the less "threatening" his art appeared. Parece que cuanto más popular se convirtió en Flora, la menos "amenazante" su arte se manifiesta. This is certainly true of his commercial work, which softened and became more generic in the 1960s and 1970s. Esto es ciertamente verdad de su trabajo comercial, que se suavizó y se hizo más genéricos en los años 1960 y 1970.
Sus obras de arte privada, sin embargo, a menudo sirve como una salida a los demonios interiores del artista, como Flora puntos numerosas obras con imágenes de violencia y excesos sexuales. (The cover of The Curiously Sinister Art of Jim Flora is adorned with figures from his 1940s absurdist burlesque painting, The Rape of the Stationmaster's Daughter .) Many of his smaller temperas and pen and ink sketches, particularly from the 1940s through the 1960s, featured clusters of unrelated images interlocking like rune-shaped brickwork, every square inch of surface crammed with bizarre figures, some disturbing, some nonsensical, all intriguing. (La portada de El curioso Siniestro arte de Jim Flora está adornado con figuras de su década de 1940 absurdo pintura burlesca, La Violación de de estación de la hija.) Muchos de sus temperas más pequeños y lápiz y dibujos de tinta, especialmente desde el 1940 hasta la década de 1960, presentada grupos de imágenes no relacionadas, como ladrillos entrelazados en forma de runas, cada centímetro cuadrado de superficie repleta de figuras extrañas, algunos inquietantes, algunas sin sentido, todos los intrigantes. As Flora once explained, "I could never stand a static space." Como Flora explicó una vez: "Yo nunca pudo soportar un espacio estático." Music was one of Flora's muses, and his montages radiate overtones of improvisation—a one-man band jamming on a canvas. La música fue una de las musas de Flora, y sus montajes emitir tonos de la improvisación-una interferencia hombre-orquesta en un lienzo. His biographer, said that Flora "crafted rhythmic design in unfathomable meters." Su biógrafo, dijo que Flora "hecho a mano diseño rítmico en metros insondable."
